La maggior parte delle persone pensa a Pablo Picasso e Henri Matisse quando pensa all’arte moderna. Questi artisti hanno sfidato le norme dell’arte attraverso il loro uso audace del colore e delle forme geometriche. Hanno anche ispirato altri a provare nuovi modi di rappresentare l’arte.
L’arte moderna si riferisce all’ampia gamma di opere d’arte create nel periodo compreso tra il 1860 e il 1960. L’obiettivo dell’arte moderna era l’espressione, lo stile personale e le nuove idee nell’arte, che hanno portato a forme innovative e talvolta completamente astratte.
Il tipo di arte moderna è progettato per trasmettere informazioni artisticamente. Può anche essere usato per creare una risposta emotiva specifica. L’arte, o una modalità di presentazione delle arti visive, può includere forma, modello, metodo e tecnica di produzione ed espressione. Discuteremo in dettaglio vari tipi di arte moderna nel prossimo articolo. Scopriamo di più sul tipo di arte moderna nei paragrafi seguenti.
Tipi Di Arte Moderna: Movimenti Di Arte Moderna
L’arte moderna è un termine ampio usato per descrivere l’arte visiva creata all’incirca tra il 1860 e il 1960 e indica i movimenti nella filosofia, nelle arti, nell’architettura e nella cultura.
Impressionismo
L’impressionismo ha cercato di catturare la bellezza momentanea della luce e del colore, come esemplificato dalla pittura di paesaggio di Claude Monet (1840-1926). Le combinazioni di colori hanno introdotto pennellate non naturali e sciolte spesso altamente strutturate. Era difficile identificare i dipinti impressionisti da vicino. Molto apprezzato da altri artisti moderni, mercanti e collezionisti, ma impopolare tra il pubblico e le autorità artistiche. Il movimento alla fine divenne il più famoso al mondo. L’impressionismo è responsabile della nascita dell’arte moderna. Legittimò l’uso di colori non naturalisti e aprì le porte all’arte astratta.
Fauvismo
Una delle sue manifestazioni pionieristiche è il famoso movimento d’avanguardia, che fiorì all’inizio del XX secolo. Il fauvismo è stato fondato da Henri Matisse, che ha applicato colori vivaci a paesaggi e nature morte per catturare lo spirito dell’impressionismo. Tuttavia, i fauvisti, come Matisse, usarono presto pennellate dure e colori vibranti direttamente dai loro tubi per instillare un senso di emotività nelle loro opere, facendo ridere il pubblico prima che diventassero un fenomeno a pieno titolo. Louis Vauxcelles battezzò tali pittori Fauves (bestie feroci) a causa della natura eccessivamente espressiva delle loro tecniche. Georges Braque è considerato il diretto discendente del fauvismo. Maurice de Vlaminck e Georges Derain sono altri famosi fauvisti.
Cubismo
Il cubismo è il movimento artistico più noto dell’era modernista. Picasso vi è particolarmente associato. Al culmine del regno del cubismo, tuttavia, Georges Braque era anche un leader di questo movimento e i suoi dipinti erano praticamente identici ai Picasso, dimostrando che questi due artisti lavoravano così bene insieme. Si nota spesso che Picassos Les Demoiselles dAvignon fu un’opera cruciale per lo sviluppo del cubismo. Raffigura donne nude da una prospettiva fratturata e mostra forti influenze africane.
Louis Vauxcelles, un critico d’arte, ha suggerito il nome del movimento quando ha ritratto Braques House a LEstaque nel 1908 come a forma di mattoni (di nuovo!). L’obiettivo principale dell’arte cubista era allontanarsi dall’imitazione della natura e ricominciare da zero enfatizzando la bidimensionalità piatta della tela. Per ottenere questo effetto, gli artisti cubisti hanno utilizzato diversi punti di vista per dipingere immagini di oggetti quotidiani come brocche, bottiglie o strumenti musicali. Braque e Picasso iniziarono a utilizzare le scale monocromatiche per evidenziare l’importanza che attribuivano alla struttura dei loro dipinti. Il cubismo ha influenzato molti scultori e architetti, anche se è prevalentemente associato alla pittura.
Futurismo
Nell’era modernista, il futurismo è stato uno dei movimenti più controversi, che a prima vista ha scelto di equiparare gli esseri umani alle macchine e viceversa per il bene di abbracciare il cambiamento, la velocità e l’innovazione nella società, eliminando le espressioni artistiche e culturali e tradizioni del passato. Le piattaforme futuriste erano tuttavia caratterizzate da sentimenti pro-guerra e pro-misogini.
Filippo Marinetti fu colui che ispirò il futurismo. Il manifesto del 1909 di Filippo Marinetti ne contiene l’ispirazione. I soggetti più popolari per i dipinti in questo periodo erano automobili, treni, animali e ballerini. I piani frammentati e interconnessi del cubismo sono stati utilizzati dagli artisti per evidenziare la bellezza e la velocità del movimento.
Durante questo periodo, i poeti hanno sottolineato la rimozione di aggettivi e avverbi non necessari dalla loro poesia per concentrarsi sui verbi all’infinito.
Espressionismo
Oggetti ed eventi evocano all’interno di una persona emozioni e reazioni soggettive, che sono i soggetti dell’arte espressionista. Gli elementi formali vengono applicati per creare effetti vividi, stridenti, violenti o dinamici attraverso la distorsione, l’esagerazione, il primitivismo e la fantasia. Una vasta gamma di artisti moderni e movimenti artistici utilizza i principi espressionistici per esprimersi nel proprio lavoro.
L’espressionismo, come termine ampio, è una delle correnti più significative nell’arte della fine del XIX secolo e dell’inizio del XX secolo. L’espressionismo artistico germanico e nordico è in contrasto con le tendenze classicheggianti e razionaliste di Francia e Italia, iniziate almeno nel Medioevo europeo.
L’espressionismo tedesco è uno stile o movimento distinto strettamente associato a molti artisti austriaci, francesi e russi emersi prima della prima guerra mondiale e rimasti attivi per tutto il periodo tra le due guerre.
Dada
Hugo Ball lo riassume bene quando cita l’obiettivo dadaista dell’arte quando scrive che non dovrebbe essere un mezzo per un fine in sé, ma piuttosto un mezzo per riflettere e criticare i tempi che stiamo vivendo.. L’era dadaista ha visto le conseguenze della prima guerra mondiale nel dolore, nella distruzione e nel caos. Diverse grandi città in tutta Europa erano rappresentate nel movimento, tra cui Zurigo, in Svizzera; New York; Berlino, Colonia, Hannover, Germania; e Parigi. Non c’era alcuna connessione tra gli stili, i mezzi o le tecniche dadaiste. Le loro credenze e pratiche comuni li collegavano invece.
Espressionismo Astratto
La New York School è uno stile di pittura astratta sviluppato a New York poco dopo la seconda guerra mondiale. Questo movimento è stato guidato da artisti degli Stati Uniti, che sono stati fortemente influenzati dagli espatriati europei. C’erano due stili principali tra cui scegliere: la pittura gestuale (che era animata) e la pittura a colori (che era più passiva e orientata all’umore).
L’arte moderna deve la sua popolarità all’espressionismo astratto, che promuoveva l’astrazione. L’obiettivo di Rothko era che il colore provocasse una risposta emotiva nello spettatore. Il metodo di Pollock consisteva nel creare quello che divenne noto come action painting (vedi foto per testo).
Pop Art
Gli anni ’60 hanno visto il consumismo di massa e la cultura popolare influenzare l’arte degli anni ’60. Questo stile d’avanguardia è nato a New York e Londra alla fine degli anni ’50. Ha dominato il mondo dell’arte fino agli anni ’60. Gli artisti pop degli anni ’20 e ’30, come Andy Warhol (1928-1987), hanno utilizzato immagini audaci e facilmente riconoscibili e colori a blocchi vibranti per creare un’iconografia che ha contribuito a dissolvere la distinzione tra commerciale e belle arti. L’arte moderna è meglio conosciuta per mostrare che l’arte può essere di basso livello e fatta di qualsiasi cosa. L’espressionismo astratto lo ha reso possibile.
Suprematismo
Anche il costruttivismo e i movimenti suprematisti provenivano dalla Russia. Tuttavia, erano più concentrati sull’astrazione e sul loro abbraccio. Si ritiene che sia il primo movimento della pittura a utilizzare pure astrazioni geometriche. Kasimir Malevich è l’autore del manifesto suprematista, di cui è coautore con alcuni dei suoi contemporanei.
La citazione di Malevich è l’ispirazione per il nome del movimento. Malevich in questa citazione spiega la superiorità o pura percezione delle arti visive. Ha cercato di ridurre l’arte alle sue caratteristiche più basilari nella sua arte, usando spesso forme di base come quadrati, triangoli, cerchi e colori primari e neutri. Il lavoro di Malevich è migliorato man mano che ha aggiunto più forme e colori alla sua arte, ma i suoi dipinti White on White sono un perfetto esempio di questo movimento. Un quadrato appena distinguibile era tutto ciò che era visibile nel dipinto.
De Stijl
Il nome De Stijl non solo riflette lo scopo del movimento, ma delinea anche come intendono raggiungerlo: utilizzando un approccio diretto e diretto. Il gruppo era composto da Piet Mondrian e Theo van Doesburg, nonché da Jacobus Johannes Pieter Oud. La loro devozione alla Teosofia era la componente principale del misticismo di De Stijl. I membri di De Stijl consideravano anche il cubismo parigino privo di pura astrazione. Tuttavia, Picasso e Braque hanno avuto un’influenza significativa sul movimento. I suprematisti usavano principalmente forme disadorne, colori primari e toni neutri per illustrare le loro composizioni astratte. Sia nella vita che nell’arte, hanno utilizzato queste tecniche per esaminare le leggi dell’equilibrio. Il movimento era guidato da architetti anche se comprendeva pittori, scultori, macchine da scrivere, poeti e decoratori. Hanno catturato meglio il più puro,
Costruttivismo
Il costruttivismo è emerso alla fine degli anni ’10, quando il cubismo e il futurismo si sono diffusi a ovest in Russia sulla scia della Rivoluzione d’Ottobre. Il costruttivismo è la convinzione che l’arte debba essere realizzata utilizzando materiali moderni come plastica, acciaio o vetro. Ciò consente all’arte di servire uno scopo sociale e non solo di creare arte astratta. Il movimento fu spesso avviato da Tatlin, che fu fortemente influenzato dalle strutture geometriche di Picasso mentre si trovava a Parigi nel 1913. Il Manifesto del realismo fu pubblicato nel 1920 da Pevsner, Gabo e Antoine Pevsner.
Come i futuristi e i vorticisti, ammiravano le macchine, la tecnologia e il funzionalismo. Molte opere d’arte degne di nota risalgono a questo periodo, ma il Monumento alla Terza Internazionale di Tatlin (1919-20) è il più noto. La struttura, che ricorda un uovo, si trasforma in una spirale quando viene colpito. La maggior parte dei costruttivisti, come Tatlin, era convinta che i dipinti non fossero molto più che forme d’arte morte a meno che non servissero da progetto per qualcosa che potrebbe essere costruito in futuro. Si occupavano di ceramica e fashion design, oltre che di architettura. Quando la resistenza sovietica ai loro movimenti aumentò, il movimento guadagnò grande popolarità nei paesi occidentali.
Parole Finali
Può essere difficile assegnare le opere degli autori a un tipo specifico di arte moderna. Tuttavia, ci sono alcune generalizzazioni che possono essere utilizzate per aiutarci a capire l’intenzione e l’umore dell’artista. Queste generalizzazioni sono fatte dal punto di vista dei vari generi di opere d’arte moderne. Questi sono il contesto culturale, il contesto storico e la genealogia dei capolavori artistici e delle tradizioni.
In conclusione, l’arte è molto personale e diversa per tutti. La cosa grandiosa dell’arte moderna è che ti fa pensare in nuovi modi che hanno il potenziale per cambiare la tua vita. È facile pensare in modo superficiale al mondo. Ma l’arte ti permette di essere libero e di sentire quello che vuoi. Poiché non esiste un modo giusto o sbagliato di rispondere all’arte, lascia che il tuo cuore ti guidi e, si spera, impari qualcosa lungo la strada.
Tom è un blogger e artista che ama anche la tecnologia. Trascorre le sue giornate bloggando sugli ultimi sviluppi nel mondo dell’arte e si diverte a condividere i suoi pensieri con i lettori su cosa significa essere un artista oggi. Tom è sempre stato interessato alla tecnologia, ma è stato solo all’età di 13 anni che ha scoperto quanto potesse essere divertente creare siti Web! Tom è un creativo in cerca di avventura e amante del divertimento. Gli piace recensire prodotti artistici e gadget tecnologici sul suo blog e lo fa da oltre 5 anni! Può essere trovato in spiaggia, in studio o esplorando nuove aree.
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