L’arte è un’impresa affascinante e ci sono alcune linee guida che bisogna seguire per creare qualcosa di perfetto. Per rendere le tue idee una realtà, ci sono alcune regole che devi seguire. Discuteremo alcuni di questi principi in questo articolo.
Quali Sono I Principi Dell’arte E Del Design?
Queste linee guida sono solo regole e linee guida. Ti guidano su come disporre e combinare elementi di elementi di design per creare un aspetto armonioso. Queste regole sono estremamente basilari, soprattutto quando si tratta dell’aspetto importante di buoni elementi di design.
I principi dell’arte ci consentono di giudicare come un particolare dipinto è stato realizzato in modo eccellente. Gli stessi principi ci impediscono anche di entrare in uno spazio vago in cui nessun principio può essere utilizzato per definire o criticare l’art.
I principi del design nell’arte includono :
- Modello
- Bilancia
- Varietà
- Armonia
- Accentuazione
- Dominazione
- Proporzione
- Movimento
- Ritmo/ripetizione
- Unità
- Contrasto
- Scala
- spazio
Questi principi di design e arte sono esplorati di seguito.
1. Modello
Il modello è il modo in cui gli elementi sono disposti visivamente secondo uno schema o una sequenza di intelligenza. Questo è un concetto di design fondamentale che non è sempre ovvio.
Non è difficile creare modelli nell’art design. Può essere solo un semplice disegno sottostante che alterna elementi chiari e scuri o semplicemente i disegni utilizzano determinati colori.
Il modello è facile da capire in termini di principi di progettazione e principi artistici. Ci sono schemi ovunque. I nostri occhi sono programmati per vederli anche quando non ci sono. Questo è il trucco mentale che alcuni artisti usano per incorporare schemi nel loro lavoro.
Mentre i modelli possono essere ottenuti semplicemente ripetendo un oggetto durante la composizione, possono trarre vantaggio dal dirigere la messa a fuoco e l’enfasi su un soggetto specifico. Il motivo fa risaltare la composizione ed è memorabile.
I motivi possono essere creati utilizzando la trama in fotografia. È importante incorporare modelli in luoghi in cui altre architetture e opere d’arte sono più importanti.
Questo descrive i modelli come ripetizioni di elementi nell’opera d’arte. È più comune per tessuti, sfondi e sfondi.
2. Equilibrio
Un altro principio di progettazione nell’arte è l’equilibrio. Si riferisce alla disposizione degli elementi nel progetto per garantire che nessuna parte appaia più perfetta dell’altra. Il design dovrebbe avere armonia attraverso l’uso dello spazio e del colore. Ci dovrebbe essere tensione ed equilibrio, nella forma, nel peso o nello spazio.
L’equilibrio può essere misurato su una scala nel mondo reale, al di fuori del design. Se due oggetti di uguale peso vengono posizionati sulla bilancia, entrambi i lati saranno in equilibrio. Tuttavia, questo non è il modo in cui viene misurato l’equilibrio di progettazione. È una sensazione e lo spettatore la percepirà.
Nel design, l’equilibrio è descritto in tre diverse forme. Di seguito forniamo una panoramica di questi tre tipi di equilibrio nel design.
- Equilibrio formale
L’equilibrio formale significa che entrambe le metà dovrebbero essere identiche o immagini speculari. L’altro nome dell’equilibrio formale è equilibrio simmetrico.
Sebbene l’equilibrio formale nell’arte sia ovvio, molte persone sostengono che renda il lavoro meno interessante.
- Equilibrio informale
L’equilibrio informale è anche noto come equilibrio asimmetrico. Due oggetti che non sembrano identici sembreranno avere lo stesso identico peso. Ma in realtà non lo sono. Le cose che possono essere utilizzate per creare un equilibrio informale nell’opera d’arte includono forme, colori, valori, intensità, ecc. Non è facile vedere un equilibrio informale nell’opera d’arte.
Ad esempio, quando si dipinge un’opera d’arte, le piccole forme possono essere dipinte con colori caldi come il rosso e sembrano bilanciate con diverse forme più grandi dipinte con colori opachi o freddi.
Puoi ottenere un equilibrio informale nel tuo disegno avvicinando le forme più grandi verso un punto centrale e quelle più piccole più lontano da quel punto centrale.
- Equilibrio radiale
L’ultima forma di equilibrio nel progetto è l’equilibrio radiale, in cui la maggior parte degli elementi è disegnata vicino al centro dell’opera. L’equilibrio radiale può essere illustrato da un fiore i cui petali si estendono oltre il punto cardine. L’equilibrio radiale irradia elementi solo da un punto centrale simile all’opera d’arte, come da nome.
3. Varietà
La varietà nel design si riferisce alla creazione di attenzione o interesse combinando uno o più elementi. Spezza la monotonia e aumenta l’attenzione e l’attrazione. Quando la diversità viene applicata nelle opere d’arte, migliora l’appeal visivo dell’intera opera.
Non è difficile aggiungere varietà all’opera d’arte. Quando si disegnano immagini, ad esempio, è possibile interrompere la monotonia di molte linee curve con una linea retta. I colori chiari possono anche essere usati per spezzare i colori più scuri.
4. Armonia
Questo è semplicemente un mix di elementi per creare un bell’aspetto. Per creare un aspetto accattivante, gli elementi misti dovrebbero avere un interesse comune o essere simili tra loro.
Ad esempio, rettangoli e quadrati possono essere armoniosamente uniti e creare un aspetto accattivante, poiché entrambi sono creati con linee parallele.
Questo principio di progettazione viene utilizzato dagli artisti più abili per collegare vari pezzi utilizzando colori che si armonizzano per creare una piacevole combinazione.
5. Enfasi
L’enfasi nel design è fare in modo che un elemento o un oggetto si distingua dagli altri elementi o oggetti della stessa opera di design. Questo principio è essenziale per i designer. Enfatizza la vista frontale, o la parte che lo spettatore vede per prima. Consente inoltre all’artista di controllare per quanto tempo uno spettatore trascorrerà il tempo a guardare una particolare parte del design.
Può essere difficile evidenziare il lavoro dei designer. Non è facile enfatizzare il lavoro di progettazione. I designer devono pianificare e avere lungimiranza.
Accentuare le opere d’arte non dovrebbe essere difficile se si pianifica bene e si utilizzano gli elementi appropriati. Per aggiungere enfasi, gli artisti possono utilizzare colori ed elementi di contrasto. L’artista può anche modificare la scala di alcuni oggetti nel design e dare loro più peso.
È più facile aggiungere accenti nella fotografia. Un fotografo può inclinare la fotocamera per modificare l’angolazione del soggetto o la composizione. Un fotografo può creare enfasi cambiando lo sfondo o l’illuminazione del soggetto o trascinandolo via.
6. Dominazione
Il principio di dominanza viene utilizzato per garantire che alcuni elementi siano dominanti su altri nelle opere d’arte. Sono questi principi progettuali che realizzano l’unità dell’art.
Ripetere un elemento all’interno di un tema è un ottimo modo per enfatizzare il predominio nel design o nell’arte. L’elemento dominante dovrebbe superare in numero gli altri elementi nella stessa opera.
7. Proporzione
La proporzione è il rapporto tra le parti all’interno di un lavoro. È semplicemente un confronto delle dimensioni e delle forme utilizzate nel lavoro progettato. Consente all’artista di evidenziare gli elementi principali di un’opera.
Per ordinare, ci sono solo pochi passaggi. Puoi rendere alcuni elementi più grandi di altri, ad esempio elementi considerati elementi principali. Non si tratta di dimensioni. Questo è importante per sottolineare gli elementi principali del tuo lavoro. Puoi anche usare i colori in proporzioni diverse per enfatizzare gli elementi principali.
8. Movimento
Il principio consente a un artista di sviluppare un sentimento per l’azione nell’opera d’arte. Puoi combinare elementi come linee e forme per creare movimento negli occhi. Diversi colori e trame possono anche essere mescolati per creare un percorso che guida lo sguardo degli spettatori attraverso l’opera. Un movimento ritmico può essere creato accostando gli elementi in modo ordinato l’uno all’altro.
9. Ritmo/ripetizione
La ripetizione si riferisce al ripetersi di un singolo elemento nel lavoro di progettazione. Un elemento può essere un colore, una forma o una linea. Una ripetizione di un elemento ha lo scopo di attirare l’attenzione. La ripetizione può essere utilizzata anche nella progettazione per rendere più significativa una parte specifica del lavoro.
Con un’adeguata pianificazione, la ripetizione può farti sentire come se gli schemi non potessero mai finire. Sebbene l’obiettivo principale del ritmo nell’arte sia catturare l’attenzione degli spettatori, può essere utilizzato per creare interfacce utente con elementi ripetuti in modo che l’utente possa trovarli facilmente.
10. Unità
Il principio dell’Unità assicura che gli elementi siano disposti correttamente per creare un’impressione di completezza. Gli elementi di design devono essere posizionati in modo da creare unità. Gli elementi non dovrebbero sembrare in modo lineare.
11. Contrasto
Al contrario, a volte noto come conflitto o opposizione, non lontano dalla varietà. L’unica differenza è come l’elemento variabile viene utilizzato durante il lavoro. Un quadrato, ad esempio, può essere utilizzato per contrastare il lavoro di progettazione con i cerchi.
Il contrasto nell’arte del design è proprio che alcuni elementi differiscono da altre differenze nella stessa opera.
La messa a fuoco può essere ottenuta utilizzando il principio del contrasto. Ad esempio, se gli elementi visivi sono inseriti nel lavoro, i contrasti possono essere utilizzati per attirare l’attenzione.
È una logica semplice che gli elementi che non contrastano possano essere perfezionati mentre quelli con contrasto possano emergere. Ridimensiona o ridimensiona gli elementi per creare contrasto.
Il contrasto gioca un ruolo importante nel lavoro di progettazione. Infatti, a parte il principio del contrasto, qualsiasi opera può apparire come una pagina bianca senza nulla.
Molte forme di contrasto possono essere raggiunte nell’art. Qui scaviamo di più su queste forme.
- Contrasto della trama:
Questa forma contrasta elementi lisci e strutturati.
- Il contrasto tra i colori:
I contrasti possono essere creati mescolando colori chiari e scuri, nonché colori saturi e opachi.
- Contrasto di dettaglio:
Questo si riferisce al rendere un’area particolare più dettagliata dell’altra.
- Contrasto:
È evidente dal suo nome che è stato progettato per distinguere tra forme diverse, come rettangoli e cerchi.
- Contrasto di intervallo :
Un’altra forma di contrasto a intervalli può essere utilizzata per far risaltare il ritmo nella tua opera d’arte. Gli intervalli sono brevi o lunghi.
12. Scala
Ridimensionare nell’arte significa utilizzare diversi elementi per creare focus e attirare l’attenzione degli spettatori.
13. Spazio
L’elemento ideale nel design è lo spazio. Può essere positivo o negativo. Lo spazio ha un impatto diretto sul design.
C’è poca differenza tra spazio positivo e negativo.
Per essere considerato uno spazio positivo, deve essere occupato da oggetti, non solo oggetti, ma riempito con le cose importanti.
Lo spazio è anche considerato negativo quando si trova tra gli oggetti. Puoi chiamarlo lo spazio bianco e svolge anche un ruolo importante nel design.
Lo spazio negativo viene spesso confuso con lo spazio di copia. Tuttavia, questo termine è molto comune tra i fotografi. È usato per indicare spazi vuoti. Il testo può essere incollato nelle copie, ma questo non può essere il caso degli spazi bianchi. Il testo aggiunto allo spazio bianco può causare il disordine di alcuni elementi e influire su tutto il lavoro.
Conclusione
Questo post avrebbe dovuto chiarire i principi alla base del design nell’art. Ora puoi applicare i principi nel tuo lavoro creativo e, idealmente, comunicare perfettamente i tuoi pensieri nell’arte.
Questi principi di progettazione possono essere incorporati nella tua opera d’arte, ma è importante ricordare che non tutti sono necessari per una grande arte. È possibile utilizzare alcuni di questi principi di progettazione e creare comunque qualcosa di straordinario.
Tom è un blogger e artista che ama anche la tecnologia. Scrive sul blog sugli ultimi sviluppi dell’arte e condivide i suoi pensieri con i suoi lettori su com’è essere un artista oggi. Tom è sempre stato interessato alla tecnologia, ma è stato solo all’età di 13 anni che ha scoperto quanto potesse essere divertente creare siti Web! Tom è un tipo creativo amante del divertimento e dell’avventura. Il suo blog è dove recensisce prodotti artistici e gadget tecnologici. Lo fa da più di 5 anni. Trascorre la maggior parte del suo tempo in studio, in spiaggia o esplorando nuovi posti.
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